XXY 視覺動物的電影觀點

縱使個人對於華納打造的DCEU系列電影遠勝過其他超級英雄世界觀，但市場普遍對於DCEU評價不佳是一個血淋淋的事實。姑且不將DCEU之餘MCU或是X戰警等超級英雄宇宙作品相比，單獨探究DCEU的行銷手法，確實在超級英雄角色的介紹、以及樹立銀幕形象的操作上稍顯急躁。商業上的操作有諸多細節尚未全盤考量，但不可否認的是，DCEU的首部作品—《超人：鋼鐵英雄》中，柴克史奈德所打造的亨利卡維爾版本超人，花了大量的篇幅塑造超人身為「人類」的證明、以及他面對氪星與地球兩星球的認同抉擇，將「人性」注入該角色之中，使超人不再是與觀眾們具有距離感、遙不可及的角色，反而是具有共鳴、認同感的英雄。

然探討「人性」的本質，在接下來DCEU系列電影的《蝙蝠俠對超人：正義曙光》以及《自殺突擊隊》中也有不少從正面（超級英雄的角度）及反面（超級惡棍的角度）等多面向的諸多探討：劇本上，我們可以在《蝙蝠俠對超人：正義曙光》看到蝙蝠俠以及超人兩大要角對於「正義」的思辨、用武的「正當性」以及「人」與「神」間的衝突與矛盾；再到《自殺突擊隊》中，眾多惡棍角色面對政治機器的迫害，反思「人性」本惡？本善？正反雙方的界線似乎已模糊，劇情中人與人的衝突，以跳脫所謂的好人打壞人，而是在價值觀判斷上的差異。各種層面描寫DCEU世界觀的「人性」面，其實野心不小。但在前述的兩部電影中，角色塑造過於紊亂，缺乏秩序的介紹以及急躁的節奏，打亂了原本共同宇宙計畫想要傳達的初衷，個人覺得非常可惜。

而DCEU世界觀中對於「人性」的探討，在《神力女超人》中則轉換從女性溫柔又堅強的一面切入，將劇本收斂至描寫單一角色的崛起與價值觀衝突，著實深化了神力女超人一角在銀幕上給觀眾們的共鳴感。《神力女超人》整體而言是一部完整度極高的超級英雄起源作品，以穩健的節奏達成引介神力女超人一角，因此不論在導演敘事的手法、攝影運鏡、美術設計、妝髮、視覺特效等製作上，皆以「捕捉神力女超人的美感與堅強形象」出發，彷彿一列目標明確的火車頭，帶動了整部電影的觀影體驗：觀眾們彷彿坐了一趟舒舒服服的旅程，在過程中享受了聲光效果十足的娛樂饗宴，對演員蓋兒加朵的特質與神力女超人一角產生深刻連結，達成本片在DCEU系列電影中的任務目的。

《神力女超人》故事從天堂島上的黛安娜出發，描述神力女超人以及天堂島的起源、神話故事與現實世界的連結，並以第一次世界大戰的時代背景、凡人世界的紛紛擾擾做發想，結合虛構與現實兩大元素，揉出極豐富多元的劇本。我們一方面可以透過神力女超人一角，站在比一般凡人更高的高度檢視人性的劣根性。

縱使《神力女超人》的劇本，以一位超級英雄的誕生起源，探討老生常談的愛、和平與相信人性本善的堅持，乍看之下故事的結構保守，但卻因為透過神力女超人的女性形象讓本片故事在陰柔的一面混合了陽剛的堅強獨立，在這超級英雄的市場之中令人感覺耳目一新。

《星際異攻隊》的故事架構以「外星人」、「B咖」以及天馬行空的人物設定，在第一集2014年上映後做為MCU（漫威電影宇宙）拓展世界觀，為外星故事作鋪路開創了不錯的票房成績，《星際異攻隊2》勢必需要創造另一個系列故事的票房山頭，以抓住粉絲們的心。《星際異攻隊》系列電影之所以吸引人，在於故事當中的角色並非如過去典型的超級英雄，有著正義感十足或是政治正確的正直形象；反而是帶有人格缺陷、瘋瘋癲癲，甚至腦衝易怒等魯莽個性，不如過去超級英雄在處理危機上有縝密的計畫。但也正因為如此，這樣的角色能夠更加吸引到那群在現實生活上不被重視的族群。

就個人而言，《星際異攻隊》第一集與第二集的故事架構是完全不同的編排方式：第一集著重於新角色的個性建立、異攻隊成員的相遇，如何在打打鬧鬧的情況下，成為緊密關係的團隊。第二集則是在第一集所建立的世界觀架構下衍伸出的另一個故事：從克里斯普萊特所飾演的「星爵」一角與生父「伊果」相遇出發，探討了「家庭」、「友情」這種看似老生常談的議題。但正因為透過這些有趣又迷人的角色，描述各自不同的成長背景，使整體電影氣氛在輕鬆活潑的節奏中，帶有一絲感動又深刻的氣氛。當中提到「星爵」的生父「伊果」與養父「勇度」兩人，對於星爵各自的期待與關懷；或是設定為薩諾斯養女的葛摩拉與涅布拉兩人的恩恩怨怨；或是德克斯過去對於愛妻愛女的思念以及不為人知的過往；甚至是火箭浣熊過去被科學家創造的痛苦回憶。每個人都有不堪回首的過去，也都有心中那些難以忘懷的遺憾與缺憾，劇本深化探討了劇中角色們在乎的人事物，更也說明了萬千宇宙中有多元樣貌的生命型式、型態，但對於親情與友情的羈絆，是永遠放諸四海皆準的。

「父與子」在本集故事中佔有非常重要的地位，他作為本集故事的出發點，同時也讓我在過去看超級英雄時的偶像崇拜心態有所反思。片中提到，不管是伊果或是勇度，對於星爵都有著不同的期待（同時也說明了不同生物對於生存的意義有所分歧）。而星爵也從第一集開始，不時透露了一絲依賴著勇度，或是渴望父愛母愛關懷的蛛絲馬跡。系列故事中也衍伸出涅布拉與葛摩拉展現自我，只為了得到父親薩諾斯的認同。或是在本集中最大的亮點—小格魯特在異攻隊成員間討拍、撒嬌等賣萌表現。這些在電影中呈現的種種行為，讓人覺得劇中角色不再高不可攀，而是容易讓你我產生共鳴，拉近了銀幕中影像空間與現實觀眾們的距離。這真的是一個非常有趣的地方，也是讓我讚嘆詹姆士昆恩這位導演兼編劇，對於角色塑造的卓越功力，縱使故事角色們是一群外星人，理當與地球人故事有所距離感。但透過詹姆士昆恩的口吻，讓整體電影十分親切，同時也在拿捏劇中角色的戲分上有細膩的安排：每個角色在各自的故事線上都各司其職，在群戲的橋段中也能適得其所、不紊不亂。個人非常喜歡《星際異攻隊2》的故事編排：呈現天馬行空，多元樣貌的宇宙生命生態，對比到亙古不變的情感定律，兩者形成強烈反差是本片成功的關鍵；對於探討生命的價值、生物生活在世界上的意義，以及長輩對於後輩的期待，都有非常深刻的描寫，深度十足。同時在電影呈現上，場面調度以及角色表現的控制、掌握妥當，使整體故事完整收斂又飽滿豐富。

炫彩奪目的視覺效果，與感染力十足的音樂元素，是讓本片迷人的另一項賣點。從《星際異攻隊》第一集開始，星爵身上的勁爆舞曲大帝國合輯，充滿濃濃80年代復古風格的歌曲，加入像是SONY過去紅遍全球的Walkman、街機電玩（小精靈、小蜜蜂）等元素，使得本片宛如置身在復古舞廳內跳一場毫無壓力的迪斯可。個人十分喜愛勇度與火箭浣熊逃出破壞者船艦的橋段，口哨箭在影像空間內穿梭，彷彿迪斯可舞廳內的霓虹燈；或是電影開場一鏡到底的Credit；種種舞動感十足的畫面呈現，再再說明了詹姆士昆恩對於劇本與電影畫面的卓越掌控能力；除了將聲與形作完美的搭配，同時在劇情上也能完全融入具象化的影像空間，讓人在觀賞本片時，有娛樂感、震撼感十足的觀影體驗。

《星際異攻隊2》作為MCU系列電影宇宙的第15部作品，目前看來只有在第一集的無限寶石與《復仇者聯盟》故事主線有所關聯，但在本集中似乎只透露了如天神族、破壞者組織或是至高族的片尾等橋段，可能與未來《復仇者聯盟》對抗薩諾斯時的無限戰爭，《星際異攻隊》成員才有可能加入。不過作為《星際異攻隊》的延續故事，《星際異攻隊2》的故事基礎建立在第一集所創建的世界觀上加以延伸，因此縱使沒有看過MCU電影宇宙的前面14部電影，但我仍然強烈建議需要先觀賞《星際異攻隊》第一集，再觀賞《星際異攻隊2》才會對電影角色以及角色關係、世界觀有所認識。而《星際異攻隊2》作為MCU系列電影宇宙的第三階段的第三部作品，接續《奇異博士》所開創的魔法世界，將MCU電影宇宙推升至更天馬行空的層級。做為第三階段介紹更多未知英雄以及原始《復仇者聯盟》成員的分裂，《星際異攻隊2》為後續如《雷神索爾3：諸神黃昏》的宇宙故事，開創了影迷的想像空間，個人認為在拓展漫威帝國版圖上的任務上有不錯的表現。

《玩命關頭》系列電影一轉眼來到了第17個年頭，從原本單純的街頭飆車、警匪追逐劇情，到現在一集比一集扯的場面。從原本看到警察會逃，到現在跟警察合作，消去了警匪追逐的壓迫感；也從原本單一車輛的純粹引擎低吼聲，演變成群車競速的混亂氣氛。《玩命關頭》一集又一集的演進，對影迷而言到底留下了什麼？或是想帶給觀眾們什麼？換個方式說，《玩命關頭》的粉絲們，到底期待看到什麼？

不論如何，《玩命關頭》似乎已成為這20年間有關賽車題材電影的指標性作品。林詣彬在第三集《玩命關頭：東京甩尾》中的卓越表現，將整體系列的故事核心拉回正軌外，在接下來的第四、五、六集中的絕佳表現，也將《玩命關頭》中唐老大所謂的「家庭」理念更加穩固完整。《玩命關頭》系列每集確實各有特色、也各有令人印象深刻且指標性的飛車動作場面。每集作品闡述的核心價值以及故事主軸都非常單一且清楚。各集明確的目標與定位，是林詣彬使這系列電影成功的最大關鍵。

而系列作品每每提及的「家庭」。似乎像是這系列的萬能法寶，也走到了乏善可陳的地步。在《玩命關頭7》中，劇情推演至布萊恩歐康納與蜜雅兩人共組家庭，戲外保羅沃克的驟逝，接續故事的《玩命關頭8》作為全系列結局三部曲領頭羊，以唐老大叛變、「家庭」破裂這個劇情走向作發揮，巧妙避開了保羅沃克無法參與演出的遺憾外，同時也讓本片的劇情順勢做出了特別的發揮。

就個人而言，我一直都是以一個旁觀者的角度觀賞《玩命關頭》系列電影，看待這系列沒有最扯、只有更扯的劇情，能夠在編出什麼更扯的故事；說難聽點，過去是真的對這系列電影沒有什麼太大的熱情。而馮迪索所飾演的唐老大，雖然將馮迪索推向演藝生涯的高峰，但《玩命關頭》的唐老大形象，似乎已將他塑造成肌肉棒子與耍酷的代名詞，使他在其他諸如《限制級戰警》或是《獵巫行動》這種動作取向的電影中無法拋下既有形象的包袱，實為可惜。而他每每在電影中提及的「家庭」，到最後像是解釋劇中不合理的第一千零一招，讓個人觀賞《玩命關頭》系列到《玩命關頭7》時，已產生不耐煩的油膩感。縱使個人非常喜歡林詣彬在群戲劇情上的創作，角色間的情感編排，以及各角色與橋段間的拿捏，節奏上的掌握。但在《玩命關頭7》的劇情過於公式化，充滿溫子仁令人眼花撩亂的鏡頭與敘事方式，除了前述提到的體驗疲乏，我想《玩命關頭8》的編排，勢必需要作出重大變革。

有趣的是，曾執導《衝出康普頓》的蓋瑞格雷在本片擔任導演，以及本片將主要飛車場景設定在紐約市的消息釋出後，確實引起了我個人的好奇心。原因在於，蓋瑞葛雷曾執導的《偷天換日》同樣也是以飆車結合犯罪的取材，在一向著重賽車競速的《玩命關頭》系列電影確實放心了不少。加上他所執導的《重案對決》，那種直接又豪邁的風格，更是讓我這種一向追求感官刺激的觀眾而言，更顯期待。《玩命關頭8》作為結局三部曲的首部作品，如何將家庭、飛車、犯罪以及動作這些元素重新透過蓋瑞格雷的口吻加以詮釋，炒出一盤新的好菜，就是我個人對這部電影在觀影前的期許。

「我來了、我累了、我好了、我走了」這四個人生階段或許一語道破了《擺渡人》劇情主軸，以梁朝偉所飾演的金牌擺渡人—陳末、金城武所飾演的酒吧房東—管春、以及Angelababy所飾演的小玉，擺渡人酒吧的三個角色所各自發展的故事串聯，分別詮釋了人們面對情傷、舊愛以及夢想的態度。電影整體瀰漫著宛如酒醉般的迷幻氣氛，加上強烈的王家衛影像風格，在視覺呈現上非常有特色，彷彿進入一個混合酒精的瘋狂世界。

正如我們常說「喝酒傷肝，不喝傷心」或是「酒後吐真言」，每個人喝酒都有不同的理由，而前往擺渡人酒吧，預約擺渡的人們，不外乎都是在生活中遭遇挫折、失業、失戀或是面臨人生抉擇等低潮，希望能夠找人協助度過人生難關。而看這三條故事線的主人公，如何解決自己和他人的難關，便是本片最大的重點。

把人生難關比喻為惡水，而協助人們渡水、到達彼岸的擺渡人，確實是《擺渡人》這部電影的有趣概念。故事取材自張嘉佳所撰寫的小說《從你的全世界路過》中的其中一個短篇故事做延伸，確實在許多劇情上做了不少改編與修改。不論如何，《擺渡人》中的每一個角色，都是串起這三條故事線的重心，同時也對於人生中的關卡，不同人面對愛情與夢想時的態度做出不同的詮釋。各個角色個性十分鮮明，就個人而言，故事的焦點從開頭的梁朝偉出發，經歷與何木子（杜鵑飾演）的愛情，從相戀到逝去，介紹其心病的由來；再到金城武與毛毛（張榕容飾演）的愛情故事，以及Angelababy單戀偶像馬力（陳奕迅飾演）的故事。各角色故事線彼此互相交錯，節奏上十分輕快，並配合眾多經典歌曲試圖營造80～90年代的氣氛，而攝影上也多半捕捉酒吧內昏暗與單一光源的迷幻感。有趣的是，不只是《從你的全世界路過》中的《擺渡人》一章節，原著中描述管春與毛毛之間的感情，源自於另一章節《我希望有個如你一般的人》的內容，電影在改編劇本上有個極大的野心，並試圖以各個角色改編串起，是件不容易的挑戰。

而電影版的《擺渡人》，與原著小說《從你的全世界路過》確實是兩個風格相差甚大的作品，小說文字描寫情感的溫度與深度，確實不及電影以搞笑或是瘋狂的敘事調性來的深刻。但個人而言，故事中的台詞對白，可說是讓這部電影在搞笑之中不失嚴肅的關鍵。這足以看得出張嘉佳作為作家的本色，對於每句台詞精雕細琢的編排，亂中有序，讓人印象深刻。彷彿一再觸動觀眾你我在面對人生課題時的經驗。

當然，《擺渡人》作為張嘉佳的電影處女作，確實有很多進步和改善的空間。短篇小說中簡潔有力的故事劇情，添油加醋了不少有關擺渡酒吧以及酒國世界的故事劇情，諸如賣難吃餅的毛毛，或是做為音樂人的馬力。在敘事的流暢性方面，諸如酒吧高爾夫的插入，確實略顯生硬。令個人印象最深的，應該莫過於以《灌籃高手》主題曲作為打架的配樂，也明顯出現違和感。縱使電影想呈現出一種亂中有序的瘋狂概念，但如何把握原著中想傳達情感的核心價值，讓角色們做出精準到位的表演，或許張嘉佳在未來執導電影時可以有更多元的考慮。

由福斯電影公司所發行的X戰警系列電影，從本傳三部曲（《X戰警》、《X戰警2》、《X戰警：最後戰役》）、前傳三部曲（《X戰警：第一戰》、《X戰警：未來昔日》、《X戰警：天啟》）以及金鋼狼三部曲（《X戰警：金鋼狼》、《金鋼狼：武士之戰》、《羅根》），到去年嘗試以限制級尺度上映的《死侍》。縱使電影評價褒貶不一，但一路走來也經過了17個年頭，仍讓影迷們認識到這個迷人的變種人世界觀。

而《羅根》作為金鋼狼三部曲的最終回，同時也是休傑克曼最後一次扮演金鋼狼的電影作品，本片重新將焦點拉至生命將盡的金鋼狼身上，以及他與老年X教授之間的互動，縮小了故事的規模，加重了劇中角色的戲劇份量與張力。而金鋼狼不死之身的特質與風中殘燭的形象兩者形成強烈的對比，與新角色X-23兩世代的對照，探討了金鋼狼在生命最後的旅程之中，對於生命的態度以及一連串的心境轉折：講述了一位在變種人權力鬥爭下，狹縫中求生存的淒美謝幕。

就個人而言，《金鋼狼系列電影》跳脫了過去《X戰警系列電影》探討人類與變種人之間的矛盾，影射現實生活中，美國近代歷史對於種族議題的紛爭；將焦點轉移至金鋼狼的起源、遭遇的事件，以及最終生命的盡頭。並利用其不死之身的特性探討了生命的意義。不僅跳脫了時間的限制，可做為一個旁觀者橫跨整個世界舞台，在現實歷史的事件之中做不同的創意玩轉；同時也像是帶領影迷們進入這個迷人的影像空間之中，進而將銀幕內的角色與觀眾拉近距離。

飾演金鋼狼的休傑克曼，與飾演X教授的派崔克史都華，兩人從《X戰警》首集開始合作至今已超過17個年頭。兩位演員長期以來培養的默契，在劇中對白內一來一往可說是嶄露無遺，也讓觀眾們感受到這兩個角色最直接也最自然的情緒變化。在《羅根》裡我們可以看到兩個X戰警世界中的要角，垂垂老矣的扮相，足以感受到本片中充滿絕望的頹廢感。若是將兩位初登場的形象，與《羅根》中的樣貌對照，我們可以感受到兩個歷經滄桑的角色，在這個影像世界中如今成為苟延殘喘的浪人，體會他們期盼回歸平靜生活的心境，同時也能感受到時間的殘酷與無情。另一方面，電影力道集中在兩人如何規劃生命最終的旅程，彷彿影迷們在現實生活中都會遇到的問題：如何規劃未來？

《羅根》的故事就是如此充滿人性與感慨，特別是在親情與友情的描述上，彷彿一位生命將盡的朋友活脫在銀幕上忠實呈現，處處需要被照顧，三不五時就像不定時炸彈一樣會失控。在電影中，我們可以看到派崔克史都華將老人需要面對的難題、生活之中的瑣碎之事、行動不便等行為詮釋相當到位，在角色個性上也帶有一絲幽默感，成為本片中緩和劇情的潤滑劑。他就像是你我現實生活中的長輩：偶爾做出一些任性的堅持，或是在生活中發些小牢騷，讓你我感受到好氣又好笑。我想，這都是讓我們感覺《羅根》這部電影溫情的地方。

延續首集故事，《捍衛任務2：殺神回歸》依舊保有首集《捍衛任務》所建立的獨特世界觀，對於殺手們所身處的世界、規則以及運作方式，續集可說是在原有設定上更加強了該世界觀下的角色間關係，以及殺手界的規矩（行規），並以其一貫的冷酷影像風格，拍出其令人沉醉又迷人的故事。

就個人而言，《捍衛任務》系列故事之所以迷人，在於其冷硬色調的畫面風格，帶有一絲雅痞、時尚又具質感的場景設計，故事中各角色的個性分明且獨特，我們能夠在短時間內在腦袋中對任何一個畫面或角色產生深刻的印象。而世界觀直接以畫面呈現（非以一般口述型式交代），並以基努李維所飾演的約翰維克一角的遭遇，讓整體故事更顯立體化。其精準又不拖泥帶水的台詞設計與劇情，加上槍火與拳腳間厚重的扎實感，嚴肅又帶有玩味的娛樂享受，確實使之成為動作片市場中令人為之驚豔的系列作品。

就角色而言，約翰維克完全就是一個為基努李維量身打造，集憂鬱、壓抑、不善言語等個性於一身的角色。基努李維活脫脫就是約翰維克本人，換言之，約翰維克一角即是基努李維的代表。這位惦惦吃三碗公的狠角色，殺人不眨眼，發狠起來就算是慢慢走路逼近也感受到一股殺氣的銀幕形象，我想便是本片另一個令人著迷之處。而諸如大陸飯店或是首集出現的俄羅斯幫派，甚至是續集中出現的「高層」、「接線生」等，透過配置在各職務或場景中的角色，帶出整體世界觀，更是讓人感到新鮮。有趣的是，電影中穿插不少利用角色個性營造的反差萌笑料，帶有一絲黑色幽默以及輕鬆活潑的氣氛，使整體電影不至讓人緊迫的無法喘息，反而讓觀眾們在緊湊的節奏下獲得喘息空間，並體會感受約翰維克遭遇的喜怒哀樂。

在劇情方面，首集在前半部花了相當大的篇幅描述約翰維克殺手生涯的淡出，以及遭遇喪妻之痛，並透過一隻米格魯小狗以及一台愛車等物品，代替了約翰維克的心理寄託。而當一位屁孩成為整體故事的導火線，續集故事除了延續這條導火線引燃的後續效應，同時也傳達了約翰維克在職業生涯時期造的餘孽、必須承擔的責任，以及殺手之間的恩怨情仇，著實加深了整體故事劇本的深度。我們能夠透過各種不同的關鍵物品，感受到角色們對於不同事件的看法；亦或是從簡潔有力的對白之中，一窺各方人馬對於同一件事物的不同價值觀。而本系列故事劇本絕妙之處，在於約翰維克這個角色根本不會在遭遇困境中做出選擇，反而豪邁又直接的大開殺戒，打破了過去傳統動作電影中，角色們常必須面對二選一、逃與不逃、單打獨鬥或是團隊合作等選擇題式的既有框架。沒有廢話、沒有過於多餘又刻意的動作或言語，直接又毫無保留的暴力，反而造就了其獨特的豪邁美學。

有趣的是，《捍衛任務2：殺神回歸》在結尾的轉折安排，讓約翰維克面臨另一項難關，一方面為第三集的故事鋪路，另一方面也讓約翰維克這個角色保有人性脆弱的一面。在冷酷又憂鬱的外表之下，我們可以感受到約翰維克逐漸怒火攻心的心情，彷彿在復仇之路中逐漸上癮，並做出越來越多衝動且無法回頭的事情。有別於首集完全按照規矩，在體制內玩著殺手們約定俗成的傳統行規。在電影中，透過旅館經理溫斯頓所述的遊戲規則令人印象深刻：世界要有規矩，否則亂了套。觀眾們彷彿置身在這樣的規矩之中，透過旁觀者的角度，審視著劇中每一位角色的行為，你我都是這個世界的評審。而本集也將圍繞在「規矩」的主旨上，說明該世界觀的運作核心，將劇本收斂而聚焦於約翰維克的困境。

由奈沙馬蘭所執導的電影《分裂》，以一位患有人格分裂的凱文為中心發展，透過該角色綁架三位女性的案件，以及一名心理醫生探詢凱文心理狀態等旁故事元素，創作出的驚悚故事。電影整體而言，保持了奈沙馬蘭一貫的懸疑風格，以及他過去擅長恐怖氣氛營造的水準。他以人格分裂病患結合多重人格共用一副身軀，並可改變個性、體質甚至性別、年齡等特性，巧妙結合了帶有神祕色彩的奇幻元素。在《分裂》的劇本撰寫上，奈沙馬蘭將絕大部分的焦點集中於探討內心黑暗面的敘事手法十分有趣，在各橋段的串聯以及內容深度的琢磨上，也都有不錯且非常細膩的表現。

就個人而言，欣賞《分裂》的重點有三：一為奈沙馬蘭在懸疑電影的製作上，有著獨具一格的特殊風格；二為詹姆斯麥艾維在人格分裂角色上的詮釋，有非常精采且卓越的表現；三則是在結局頗具巧思的安排，足以看出奈沙馬蘭想要創作系列電影（或是所謂「奈沙馬蘭共同宇宙」）的企圖心。對喜愛奈沙馬蘭作品風格的影迷們而言，無疑是令人驚喜的亮點。

在《分裂》的故事呈現上，整部電影瀰漫著陰沉又讓人喘不過氣的低氣壓。除了詹姆斯麥艾維在詮釋人格分裂成23種人格的主角上，有十足驚人的表現。透過不同鏡位拍攝的角度、善用狹小空間以及流暢的運鏡技巧，在畫面的呈現上成功營造出令人無法喘息的壓迫感。這對一個自稱是希區考克大粉絲的奈沙馬蘭而言，在影像上的琢磨確實下了不少工夫。

另外，故事當中不斷穿插女主角被叔叔性侵的回憶片段，配合故事最終透露的囚禁地點，暗示著凱文以及女主角兩人在這起綁票案中不斷探索內心的本能獸性，前者以感性面回歸原始本能，後者則以理性面成長成為成熟的個體。正如同奈沙馬蘭2000年所執導的《驚心動魄》，描述一位被神秘人物激發成為英雄的大衛，在一連串的內心探索過程之中，逐漸正面自我特質。而不論在探索的過程，人趨向是好還是壞，《分裂》與《驚心動魄》兩部作品似乎正是正反兩面互相呼應的作品，同樣探討探索自我心靈的教材，也是奈沙馬蘭在描繪心理恐懼、懸疑驚悚以及神祕超自然力量等元素上獨特的地方。

就故事而言，電影中的詹姆斯麥艾維雖然只演出5種凱文的顯性人格，並在同一時空中看見其流暢又自然的人格轉換。我們也可以觀察到，各種不同人格對於爭奪「光」—即主導權的過程十分有趣。在不少心理學的臨床報告指出，部分的人格分裂案例因各人格佔有身體主導權的時間不一，可能將某些特定人格的「時間」發生斷層。而當中設定為「海維」的9歲小男孩人格，提到有任意搶占「光」的能力，但主宰整體的時間卻非常少，令他只停留在9歲的時空當中。這似乎也暗示著凱文不想長大的心理狀態，是破碎、是可以隨時顯露、隨時消失，顯示著凱文最脆弱也最任性的一面。另外，主導綁票案過程的「丹尼斯」人格，對細節的要求以及極為潔癖的個性，似乎也暗示著凱文追求完美的一面。而不論何種人格的特質，23種人格「邪軍」的共識，便是追求第24種人格「野獸」的到來，即為最終個體成熟維完人的境界，似乎也暗示著我們人類在成長的過程中，從孩童到成人不也是經過一連串渾沌的探索，不斷嘗試著受傷、重新堅強並再度承受挫折，並改變自我的歷程嗎？

在《樂來越愛你》中，從艾瑪史東所飾演的女主角蜜雅口中說出：「我討厭爵士樂。」開始，我就知道這會是一部非常有趣的電影作品。《樂來越愛你》的故事劇情從懷抱夢想的兩人出發，並以音樂、歌舞元素作為基底，探討夢想、希望、愛情以及人生哲學等嚴肅議題。故事線明確聚焦在女主角蜜雅，以及由雷恩葛斯林所飾演的男主角賽巴斯汀兩人身上，整體節奏輕快，又不失穩重，敘事技巧掌握十分出色。縱使故事中的兩人生活背景存在著差異，但努力朝夢想目標前進的心境是相同的—都希望能在洛杉磯這座大都會中嶄露頭角。而透過一連串有趣的機緣，兩人因緣際會從相遇到相戀，在面對現實與夢想的衝突時，考驗兩人的感情。雖然電影整體基調看似一個普通的愛情故事，但透過悅耳動聽的音樂，以及賽巴斯汀這位熱愛爵士音樂的鋼琴樂手，如行雲流水般的鋼琴旋律，串起觸動人心的故事線。

電影中的音樂元素，相信是過去不少電影作品著力的重點，特別是音樂主題電影，舉凡歌舞片、歌劇、音樂劇或是音樂人的傳記式電影，演員除了在銀幕上賣力詮釋角色的個性與動作外，也考驗著歌喉、演奏與肢體演出。在《樂來越愛你》中，我們可以看到艾瑪史東與雷恩葛斯林兩人在音樂元素下產生的微妙化學反應，銀幕裡的兩人非常容易讓觀眾們投入這帶有一絲奇幻又浪漫色彩的影像空間。有趣的是，《樂來越愛你》故事設定在充滿明星夢的洛杉磯好萊塢，也是為什麼原文片明La La Land中的LA，暗示著這是座由夢想與希望組成的樂園城市，等著你我帶著夢想闖蕩。

而艾瑪史東以及雷恩葛斯林，在《樂來越愛你》中飾演情侶的選角策略，對本片著實加分不少，也是本片強而有力的一大賣點。在過去多次合作銀幕情侶的兩人，產生的愛戀氣氛與默契，非常具有感染力。我們能夠在電影中觀察到一開始兩人的青澀，熱戀中的甜蜜，再到遭遇挫折的低氣壓，每一幕捕捉兩人互動的鏡頭都讓人目不轉睛。特別是最終兩人對望的神情，一抹微笑，帶著無限惆悵的眼神，無須多語便能將劇情推向最高潮，這絕對是艾瑪史東以及雷恩葛斯林兩人非常適合的角色定位。或許兩人的情感從熱戀昇華為生命中重要的貴人，戀情如何結束也不再重要，在這短短的冬春夏秋之際，蜜雅與賽巴斯汀兩人體驗了無與倫比的精采樂章，戀曲也最終在漸行漸遠的兩個道路上畫下休止符，或許最後兩人相望的那抹微笑與充滿無限祝福的眼神，就是詮釋了兩人都是彼此在「人海之中的那個貴人」（Someone in the Crowd）。

不可否認的是，導演達米恩查澤雷對於音樂的熱情，特別是爵士樂的精神、爵士樂手對於音樂的態度，對照到夢想家對於追求理想的人生經歷，透過電影語言描述得絲絲入扣、撼動人心。這種美好中帶有一絲苦澀的淒美感，或許都是你我的共同記憶，曾經懷抱夢想的我們，是否也隨著歲月的演進，慢慢失去了什麼了呢？巧妙的是，《樂來越愛你》透過男女主角的生活瑣碎事務，以隨興的爵士音樂作為詮釋的手法，呼應了劇中賽巴斯汀對於爵士音樂的介紹。爵士樂就像是一連串看似隨興的旋律，但每個演奏樂器的個體都在進行創作，並互相爭奪焦點，互相產生衝突或是妥協。彷彿人生中遭遇的各種不同挑戰，有衝突，也有妥協，但最後我們終究能夠找到一條屬於自己最適合的道路。

而對白中提到「爵士樂正在消亡」，彷彿導演對現今電影製片環境，以及娛樂產業的無奈告白，同時也透過本片回顧那過去好萊塢輝煌的爵士風潮，以及歌舞電影的黃金年代。而從達米恩查澤雷上一部作品《進擊的鼓手》中，我們也可以透過一位醉心於精進爵士鼓技的樂手，如何慢慢的從一位單純熱愛音樂的年輕人，逐步陷入追求極限的餓狼。我們也可以看到達米恩擅長營造緊繃或輕鬆的電影氣氛，逐步堆疊情緒，觀眾們的觀影體驗完全被導演所主導，彷彿一場抓住你我心情的爵士演奏：有時輕鬆活潑，有時令人神經緊繃，讓人完全享受其中，感受導演對於音樂的熱情。

環球影業旗下的照明娛樂（Illumination）在《神偷奶爸》系列成功後，接連推出《開運兔》（Hop, 2011）、《羅雷司》（The Lorax, 2012）、《小小兵》（Minions, 2015），以及今年初的《寵物當家》（The Secret Life of Pets, 2016）等動畫作品，足以看出其搶攻動畫市場的野心，急於擺脫《神偷奶爸》與《小小兵》的既有框架，發展不同的世界觀。而今年照明娛樂推出《寵物當家》及《歡樂好聲音》二片，可一窺照明娛樂嘗試以架空的動物世界，挑戰不同的故事題材，瞄準大眾娛樂市場，值得鼓勵讚許。就個人而言，照明娛樂這種勇於挑戰的勇氣值得鼓勵，也期待未來在商業娛樂動畫市場上，看到更多照明娛樂的有趣故事。

《歡樂好聲音》的故事非常簡單，透過一隻名為巴斯特穆恩的無尾熊，試圖挽救面臨破產倒閉危機的戲院，舉辦素人歌手選秀大會放手一搏。隨著選秀歌唱大會地舉辦，帶出許多城市小人物的奮鬥故事。雖電影中描述小人物面對夢想與現實的兩難，顯得有些老生常談，但這種大眾化又貼近你我的故事結構，個人認為是照明娛樂加強劇本故事深度上不錯的入門。有趣的是，主角巴斯特穆恩（Buster Moon）的穆恩姓氏（Moon），即為「月亮」一詞。在電影中，我們也能在影像中找到月亮形象的明示與暗示。

在電影開頭，呈現巴斯特在年少時見證劇院輝煌歷史時，舞台上的月亮裝飾顯得圓滿又明亮，可對應到巴斯特對於經營劇院的渴望，一種心理上的寄託，使故事劇情在月亮意象上注入巴斯特父親對巴斯特的父愛，同時也是提示著巴斯特在成長過程中面對夢想的心理狀態。而在之後的故事中，不斷出現在穆恩戲院（月亮戲院）中那個高掛在劇院舞台後方的月亮裝飾，宛如巴斯特對父親以及戲院職涯的熱情。然而，隨著故事的推進，面臨倒閉的戲院裡，月亮裝飾以新月樣貌出現，彷彿暗示了巴斯特的人生面臨低潮，甚至在最後的月亮裝飾已破損不堪時，巴斯特仍然說出：「人生在最低潮時，只能往上（Up）」的樂觀語句。到最後露天戲院的背景塌陷，呈現天空上高掛明亮的滿月，似乎又說明了巴斯特再度重返榮耀的意象。

就電影整體呈現的氣氛相當熱鬧且歡樂，節奏掌握上也十分輕快。有趣的是，電影中塞滿了大量英文流行歌曲，其歌詞能夠巧妙地與畫面結合。如電影中的豬媽媽蘿希坦（瑞絲薇絲朋）對照到Katy Perry的Firework，彷彿說明了羅希坦每天面對瑣碎的家務事，等待展現才華的機會；猩猩強尼（泰隆艾格頓）對照到Elton John的I’m Stll Standing，彷彿說明強尼亟欲展現自我，擁抱歌唱夢，不願躲在面具後生活的心境。而諸如賽斯麥克法蘭所配音的老鼠麥可、托莉凱利所配音的大象米娜、史嘉蕾喬韓森所配音的刺蝟愛希，皆分別代表了不同社會族群的意象。不論如何，他們共同追逐的都是自己心目中那完美的夢想形象，但迫於現實而向生活妥協，試圖透過這個穆恩的舞台，拯救他們搖搖欲墜的人生。每個劇中角色也分別透過不同的音樂類型，譜出一場有趣的音樂饗宴。縱使整體電影的音樂風格差異甚大，但看到這群劇中角色們懷抱夢想，站上那屬於他們生命中的成名舞台，怎麼能不被這樣熱鬧的氣氛以及充滿熱情的音樂所感動呢？

我們在電影中能夠一窺故事劇本試圖傳達的正能量，在旁支故事的襯托之下，故事雖從主角巴斯特穆恩拯救劇院的主線切入，但角色群的故事線最終融合成為一條強而有力的主軸。呼籲人們懷抱夢想，勇敢秀出自己最熱情的一面。透過積極的態度，我們可能就是下一個閃耀的巨星。就個人而言，《歡樂好聲音》的劇本淺顯易懂，也是到目前為止照明娛樂的動畫作品中，最讓我感動、也最具共鳴的故事。在電影中，我們也可以看到劇本在氣氛的營造上多有用心，情緒掌握的拿捏也有高有低，頗有變化。不論是豬媽媽面對惱人的家務事、猩猩強尼面對父親的黑幫家族壓力、刺蝟愛希在感情上的挫折、主角巴斯特樂天的態度，都值得你我細細品味。而最讓我印象深刻的，莫過於劇中巴斯特父親對巴斯特的期許，傳達了長輩成全晚輩夢想所做出的犧牲；對比到猩猩強尼對黑幫老大父親的世代衝突，兩者強烈的對比之下，配合劇中歌曲的歌詞讓人感動。

個人認為，戰爭電影一向是探討人性、社會以及歷史的極佳取材，人與人在素昧平生之下，只因陣營不同而產生生死交鋒的激烈衝突，在戲劇呈現上是一個非常有趣又富有生命力的著力支點。另外，針對戰爭爆發的原因、戰爭的背景以及戰爭發生的時空，我們更能了解背後具有寓意的故事，不論是戰場上的小人物，受戰火波及的平民，甚至是考量大格局做出決策判斷的將領，都會是非常好發揮的故事。而透過真實歷史為藍本的戰爭電影，我們更能透過電影劇組對於戰場故事的描述，了解其對於整起戰事的觀點以及希望傳承給後人們的內涵。

有關第二次世界大戰的電影題材很多，描寫歐洲戰場的故事更不在少數。但地球的另一端，美日衝突的太平洋戰場上，常因為東西方文化的差距，時空背景，政治局勢與歐洲戰場有所不同。加上日軍當年強烈的軍國主義、激烈的民族主義，對於戰爭的認知以及特殊的國家認同情感，使得美軍在面對排山倒海而來的萬歲衝鋒，以及抵死不投降等違反常的戰爭行為，不論在心理或是生理上都在戰後造成極大的衝擊。

然而，在這樣的文化衝突之下，個人鮮少看到描述雙方立場客觀，或是針對太平洋戰場的來龍去脈有所詳細描述。而諸如HBO於2010年推出的《太平洋戰爭》（The Pacific）、1998年由泰倫斯馬立克所執導的《紅色警戒》（The Red Thin Line）、2014年在台灣上映的《永遠的0》，或是2006年由柯林伊斯威特所執導的《硫磺島二部曲》（《硫磺島的英雄們》（Flags of Our Fathers）與《來自硫磺島的信》（Letters from Iwo Jima））、甚至是2008年以二戰為題材的電玩《決勝時刻：戰爭世界》（Call of Duty: World at War）等，往往僅能各自從美方或日方觀點各自描述太平洋戰場中的戰役，或是戰場上的士兵面對恐怖景象的描述。

我想《鋼鐵英雄》的故事內容，無法描述整起太平洋戰場上的沖繩島戰役，反而將焦點聚焦在戴斯蒙杜斯這位傳奇人物身上。這則在鋼鋸嶺一役中不拿槍卻奇蹟拯救75人的真實故事，就劇本的編排上，聚焦明確且觀點收斂的不錯佳作。因此，就個人而言，與其說《鋼鐵英雄》是一部描述沖繩島戰役的戰爭電影，倒不如將《鋼鐵英雄》歸類為描述主角戴斯蒙杜斯的人物紀實電影。而主角在鋼鋸嶺之役所造就的不可思議奇蹟，其實也透過電影前半部描述主角成長過程，詳細的心境轉折、家庭關係，讓我們能夠與後半部殘酷的景象產生強烈對比，在宛如地獄般的戰場上，找到那可貴的人性光輝。

不可否認的是，演員出生的梅爾吉勃遜在過去擔任導演一職時，始終能在電影作品中以演員表現以及角色個性的塑造，傳遞宗教意涵以及道德、人性等嚴肅議題。以本片《鋼鐵英雄》為例，劇本的編排上將焦點集中於安德魯加菲爾德所飾演的主角身上，從最初描述的家庭與愛情，再到主角在軍隊生活中遭遇到的霸凌。我們能夠清楚理解，主角為何堅持不拿槍上陣的理由，同時在面對現實的壓力，仍然堅持不屈服的理念，足以在後半部戰場的描述時，有相當深刻的影響。

人與人社會，充滿著許多組合以及微妙的關係。就個人而言，李安是一位影像語言十分精準的電影導演，其擅長描述人際關係題材，在人物內心的琢磨以及整體劇情節奏的掌握上讓人感到舒適。而這部《比利·林恩的中場戰事》完全符合個人期待，是一部讓我陶醉其中的作品。然而，這部以伊拉克戰爭為背景的故事，描述軍人內心世界的電影本質，似乎在宣傳上較無從施力。反而在宣傳上對外或是眾多媒體的焦點，則放在本片的拍攝技術以及高規格放映一事，個人認為李安追求技術巔峰值得學習效法，但其實點到為止即可，無須多做文章。更何況，一來個人在南部與未來3D無緣，僅能選擇一般3D欣賞本片；二來本人也對高規格電影不以為意，甚至將3D電影視為一種觀影干擾，更希望能夠欣賞本片的一般規格即可。無奈的是，本片在台灣上映的非未來3D版本，統一為3D規格，無奈之下也只能接受了。

就《比利·林恩的中場戰事》的故事而言，透過一名在伊拉克戰場立下大功的士兵—比利·林恩的視角出發，回國後除接受國家表揚外，甚至受邀參加美式足球賽在感恩節的中場表演時，與偶像團體同台亮相。簡單的故事主軸，收斂於主角比利身上，卻同時帶出了許多關於軍人的議題。而就劇本編排上，由主角所衍伸出其家人的旁支故事、主角群在戰場上的過往經歷、美國大眾對戰爭的看法、媒體（片商）對比利的遭遇等，包含多面向的探討，著實複雜且掌控難度較高，考驗著電影製作團隊的處理能力。

而這部改編同名小說的電影故事，將焦點集中在主角比利·林恩身上：透過他在準備中場表演的過程中回顧了戰場以及在家鄉的家人。整體故事融合了家庭、同袍以及社會輿論等元素，都是不同的人際交互作用，絕對是李安所擅長的導演題材。除此之外，故事除了描述主角對於軍旅生涯的內心掙扎，同時也帶入了對於信仰的闡述，以及美國大眾對於伊拉克戰爭的看法。而這些回國接受表揚的軍人，是否能夠符合社會期待？能否心智健全地面對媒體輿論的壓力？甚至是如何在內心傷痛之際仍故作堅強的矛盾。種種微妙的化學反應，透過李安細膩的影像語言顯得感染力十足。個人認為，《比利·林恩的中場戰事》的觀影重點應擺在品嘗李安的說故事手法，反思人們對於戰爭的觀點，以及當中針對戰爭行為的批判。

戰爭的意義

轉眼間，漫威電影宇宙（Marvel Cinematic Universe, MCU）系列電影已邁入第14部，也是開始漸漸步入第三階段的核心。從現實的物質世界，逐步轉介神祕學與魔幻元素的英雄人物，《奇異博士》可說是在MCU中扮演著承先啟後的重要關鍵。就個人而言，《奇異博士》整體的電影氣氛仍然保持著MCU一貫的電影風格，以輕快的節奏融入幽默輕鬆的劇情，帶出英雄人物所保有的獨特元素。劇本的編排、正反兩派演員的選角，以及商業娛樂考量上，著實站穩腳步。MCU的每部作品皆帶出各種不同讓人驚豔又意想不到的創意，《奇異博士》也不例外，漫威的「點子之屋」響亮招牌當之無愧。

就電影技術而言，《奇異博士》IMAX 3D版本所帶給觀眾的視覺震撼，絕對遠遠超越過去13部MCU系列電影的3D效果。利用萬千世界的意象，詮釋具象化的魔幻世界，精彩的創意，跳脫以往MCU系列作品，將觀眾帶往另一層次的想像力豐富的影像空間。

《奇異博士》的觀影重點，建議可將注意力集中於動作場景的設計。在描述角色們進入非物質世界的場景，以萬花筒般的對稱世界，將現實生活的巴洛克英式建築做為發想，嘗試讓觀眾們在現實與非現實之間的空間轉換連結，看得出製作團隊希望帶領觀眾進入《奇異博士》原著漫畫中描述奇幻魔法世界的具像化表現。個人認為，這是一部跳脫MCU復仇者聯盟成員電影的新起點，猶如《星際異攻隊》介紹給觀眾們地球外的星球，以「外星科技」作為楔子解釋那些原本存在漫畫中的二次元劇情。而《奇異博士》則是帶領觀眾進入新的漫威宇宙篇章，令人期待接下來MCU系列電影第三階段的發展。

綜觀來看，今年同樣屬於MCU系列的《美國隊長：英雄內戰》，讓觀眾明白各個英雄人物在過去合作的階段，逐步邁向分裂並隨即延伸出新的故事發展線。而《復仇者聯盟：奧創紀元》後，也可以看出雷神索爾故事線也與《內戰》成員有所分歧。《奇異博士》作為第三階段的第二部電影，在片尾處介紹了接下來《雷神索爾：諸神黃昏》將與《奇異博士》的世界作為連結，更可嗅出漫威影業在未來的野心，同時也將原本以神祇姿態存在地球世界的索爾，將與《奇異博士》所介紹的超自然力量、魔幻世界與非物質空間結合，為未來的MCU世界做好準備。

雖說《奇異博士》在MCU系列電影的地位扮演著關鍵性的角色，但回顧電影本身的劇情敘事方式卻十分保守。劇情非常安全的介紹班尼迪克康柏拜區（Benedict Cumberbatch, BC）所飾演的史蒂芬史傳奇，從原本一位受人尊重的神經外科醫生，因車禍意外造成的手疾而無法重回手術台，進而前往加德滿都尋求秘方。在接下來的劇情發展上，角色與角色間的相遇非常平凡，總總巧遇在快節奏的劇情下彷彿走馬看花般的交代完畢，實為MCU系列電影在介紹新超級英雄人物一貫的手法。以2008年MCU第一部作品《鋼鐵人》為例，我們同樣可以看到一位自視甚高的天才富翁，在人生遭逢巨變後重新找到人生新的目標，並以鋼鐵人的身分開啟接下來的故事，《奇異博士》的劇情似乎完全套用了這樣的公式，雖說了無新意，但算是打出了一個安全牌。